Auteur/autrice : Sidoine MBOGNI YONTA

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DE LA KOLA À L’AVENIR :

UN VOYAGE PÉDAGOGIQUE AU CŒUR DE L’ENVIRONNEMENT, DE LA CRÉATION ARTISTIQUE ET DE L’HÉRITAGE CULTUREL

Un projet porté par Astrid S. Klein

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Les 7 et 8 février 2025, un événement important autour d’une histoire d’extraction coloniale partagée entre le Cameroun et l’Allemagne a eu lieu au Musée des Civilisations du Cameroun à Dschang et au Jardin Botanique de l’Université de Dschang. Sous le thème « La Kola, Tissage des Liens – Création et Transmission », cet atelier écoenvironnemental et créatif organisé sous l’initiative de l’artiste Allemande Astrid S. Klein, en collaboration avec le professeur Albert Gouaffo, a réuni les enfants du club Lessa’Art Kids Academy et leurs camarades des lycées et écoles, sous la coordination générale des Prs Felix Meutchieye et Albert Gouaffo, pour une exploration approfondie de la kola.

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En leur offrant une expérience immersive entre art et écosystèmes, cette activité représentait un deuxième moment d’un processus ayant permis aux enfants de lessa’art kids academy de mettre en terre dans le jardin botanique de l’université de Dschang, les plantes de kolatiers diasporiques, extraites du Cameroun par les allemands pendant la période coloniale allemande. Ces plantes sont revenues au Cameroun en avril 2024, grâce au travail acharné de l’artiste Astrid S. Klein avec ses collaborations en Allemagne et au Cameroun. Cet atelier éco-éducative organisé autour du kolatier, de la kola et de ses valeurs de liaison ou d’union, visait à connecter la création artistique, les traditions africaines et les enjeux écologiques, tout en soulignant l’importance des savoirs ancestraux sur la kola et la nécessité de préserver la biodiversité.

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Source : image Lucie Mbogni Nankeng, le 03 Février 2025 à Dschang/Foréké. Cabosses de kola sur le kolatier en fructification.

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TISSER DES LIENS :

UNE EXPLORATION PROFONDE DE LA KOLA

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La kola n’est pas seulement un arbre, elle est un lien entre les générations et les communautés, un symbole de partage, de convivialité et d’hospitalité. Au cours de cet atelier, les enfants ont eu l’opportunité de découvrir les multiples facettes du kolatier et de ses fruits, les noix de kola. Au-delà de son rôle dans les écosystèmes, la kola incarne aussi des valeurs sociales profondes, souvent transmises à travers les générations. Cette étape a été coordonnée par le Dr Lucie Mbogni Nankeng. À travers des contes et des présentations interactives, les enfants ont appris comment la kola joue un rôle fondamental dans les relations sociales et communautaires.

Le premier jour de l’atelier a débuté au Musée des Civilisations du Cameroun à Dschang, où les participants ont été accueillis par le Professeur Albert Gouaffo, suivi d’une intervention du Pr. Serges Bobo Kadiri, Chef du Département de Foresterie à l’Université de Dschang. La suite des travaux a été marquée par une présentation du Dr Lucie Mbogni et de M. René Poundé sur la kola et ses valeurs dans les traditions africaines. À travers le conte « Dans la forêt sacrée, le chasseur et son chien », ils ont mis en lumière l’importance de la kola dans la création des liens sociaux, ainsi que ses bienfaits pour la santé, comme le traitement de la diarrhée et l’apport en énergie, entre autres.

Les enfants ont également participé à un atelier artistique où ils ont créé des impressions manuelles sur des T-shirts, inspirées des symboles traditionnels liés à la kola. Cet atelier, dirigé par le Dr Lucie Mbogni, Mme Stevie Dounala et en collaboration avec le Dr Herbert Abdoulaye, a permis aux jeunes de s’exprimer tout en apprenant la signification de ces symboles. L’intervention du Dr Abdoulaye en salle a permis aux enfants de se situer dans les écosystèmes du kolatier. Cet atelier a marqué une approche transversale de la culture, de l’écologie et de l’art. Il a ouvert un dialogue entre plusieurs disciplines, mis en lumière les liens entre les géographies et illustré les interconnexions entre les écosystèmes et les pratiques culturelles. Le programme a été structuré en deux volets : un volet écoenvironnemental et un volet artistique, permettant aux enfants de s’immerger à la fois dans la nature et dans la création. Ce fut une véritable plongée dans la culture, tout en favorisant l’expression artistique comme moyen de sensibilisation.

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Séance de création sur T-Shirts avec les enfants de lessa’art kids Academy et leurs camarades externes. Source : Images Lucie Mbogni Nankeng, Musée des civilisations du Cameroun à Dschang, le 07 février 2025.

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REDÉCOUVRIR LA KOLA :

UN PONT ENTRE TRADITION ET ENVIRONNEMENT

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La kola, symbole ancestral de l’Afrique, est bien plus qu’un simple fruit. Elle incarne la culture, l’hospitalité et la solidarité au sein des communautés africaines. Ce programme a mis en lumière la puissance de cet arbre, non seulement comme un acteur central de l’écosystème, mais aussi comme un vecteur de lien social et intergénérationnel. Dans un contexte où la mondialisation efface souvent nos racines culturelles et naturelles, « La Kola, Tissage des Liens » incarne un retour aux sources, en remettant les jeunes au cœur du processus de création, de transmission et de préservation. Les traditions de partage de la kola ont été explorées comme des gestes puissants de solidarité et de transmission.

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UN ATELIER ARTISTIQUE INNOVANT :

IMPRESSION MANUELLE SUR T-SHIRTS AVEC DES EXTRAITS DE NOIX DE KOLA, SES FEUILLES ET DE LA PEINTURE INDUSTRIELLE

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L’un des moments les plus marquants de cet atelier fut la séance de création artistique, où les enfants ont expérimenté l’impression manuelle sur des T-shirts à l’aide de teintures naturelles extraites des noix de kola, ainsi que de peinture industrielle. Ce volet expérimental a permis aux jeunes participants d’explorer la création et de personnaliser leurs œuvres tout en prenant conscience de l’importance des ressources naturelles locales. En utilisant des extraits de noix de kola pour teindre leurs T-shirts, les enfants ont appris à créer des œuvres d’art tout en découvrant les vertus écologiques et culturelles de cet arbre.

En complément de cette technique traditionnelle, des peintures industrielles ont également été utilisées, permettant une fusion entre méthodes artisanales et modernes. Cette combinaison a sensibilisé les jeunes créateurs à la diversité des matériaux et à la nécessité de respecter l’environnement dans le processus de création. Les œuvres réalisées n’étaient pas seulement un moyen d’expression artistique, mais aussi un message puissant sur la préservation de l’environnement.

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Séance de création sur T-Shirts avec les enfants de lessa’art kids Academy et leurs camarades externes. Source : Images Lucie Mbogni Nankeng, Musée des civilisations du Cameroun à Dschang, le 08 février 2025.

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UN VOYAGE PRATIQUE AU JARDIN BOTANIQUE :

CONNECTER NATURE, ÉCOLOGIE ET HISTOIRE

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Le deuxième jour, les enfants ont été invités à poursuivre leur exploration au Jardin Botanique de l’Université de Dschang, où ils ont eu l’opportunité de découvrir la kola dans son environnement naturel. Cette immersion en plein air a permis de relier les savoirs théoriques acquis en salle avec l’observation directe des kolatiers et des écosystèmes environnants. Le Professeur Felix Meutchieye et le Dr Herbert Abdoulaye ont animé des discussions sur le cycle de culture de la kola et son interaction avec les autres plantes et animaux du jardin.

Le dialogue interdisciplinaire entre art, écologie et culture a été au cœur de cette visite. Les enfants ont non seulement observé les kolatiers et leur impact sur les écosystèmes, mais ont aussi réfléchi aux liens qui existent entre les pratiques agricoles, la biodiversité et l’art traditionnel. Cet échange a renforcé leur compréhension de la nécessité de protéger la nature tout en préservant les savoirs ancestraux qui nourrissent les cultures locales. Cette immersion dans la nature a permis aux enfants de comprendre le rôle écologique de la kola dans les écosystèmes locaux, tout en leur offrant une occasion d’observer de près les arbres de kola et leur cycle de culture. Le Prof. Albert Gouaffo a également renforcé l’importance de ce programme en établissant un lien entre cet atelier et la première intervention réalisée en avril 2024, soulignant la progression pédagogique et l’impact de cette initiative sur les enfants. La session au jardin s’est terminée par une dégustation de vin de raphia accompagné de noix de kola, symbolisant la connexion entre les géographies, les espèces et les ancêtres.

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Séances d’immersion au jardin botanique de l’université de Dschang le 08 février 2025 avec les enfants du club lessa’art kids Academy et les autres. Source : Image lucie Mbogni Nankeng.

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UN ENGAGEMENT POUR L’AVENIR :

CONNECTER LES GÉNÉRATIONS ET LES ESPACES

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Ce programme a offert bien plus qu’un simple atelier éducatif. Il a constitué un véritable pont intergénérationnel, reliant les savoirs des aînés à la jeunesse et ouvrant des perspectives pour un avenir partagé. En cherchant à connecter les disciplines, notamment l’écologie, l’art, l’histoire et la culture, les géographies et les écosystèmes, cet atelier a montré comment les jeunes peuvent devenir des acteurs du changement, capables de défendre et de promouvoir un avenir respectueux de l’environnement et des traditions. À travers ces échanges, nous avons vu des enfants enthousiastes et curieux, prêts à prendre en main leur avenir tout en honorant le passé. C’est un pas vers un futur où les jeunes, en portant l’héritage de leurs ancêtres, deviennent les véritables acteurs du changement. Ce programme, à travers l’exemple du kolatier et de la noix de kola, visait à inscrire la préservation de la biodiversité et la transmission des traditions dans la durée, et à engager les jeunes générations dans cette mission.

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VERS UN MODÈLE DE PROGRAMME ÉCOENVIRONNEMENTAL PÉRENNE

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L’objectif de cet atelier était de poser les bases d’une initiative pérenne, inscrite dans le temps, qui permettrait de renforcer l’engagement des jeunes envers la préservation de la biodiversité, les questions d’extraction coloniale et la valorisation des traditions culturelles. Grâce à cette expérience, qui a débuté en avril 2024 avec la mise en terre des plantes diasporiques de kolatier (en provenance d’Allemagne) par les enfants de Lessa’Art Kids Academy, l’atelier a non seulement permis aux enfants de s’engager concrètement dans la préservation de leur environnement, mais aussi de réinventer des pratiques culturelles à travers l’art. Ce programme vise à devenir un modèle durable, permettant de réconcilier modernité et traditions, tout en assurant une transmission continue entre générations et géographies. L’idée n’est pas seulement d’organiser un événement ponctuel, mais de créer un mouvement durable. Les enfants, sensibilisés à la fois à la biodiversité, à l’art créatif et à l’histoire coloniale et post-coloniale, sont appelés à devenir les ambassadeurs d’une transition verte et responsable.

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Séances d’immersion au jardin botanique de l’université de Dschang le 08 février 2025 avec les enfants du club lessa’art kids Academy et les autres. Source : Images lucie Mbogni Nankeng.

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UN APPEL À LA COLLABORATION ET À L’ACTION COLLECTIVE

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Cet atelier a également permis de tisser des liens solides entre les institutions locales, les experts et les communautés. La collaboration entre le Musée des Civilisations, l’Université de Dschang, et surtout les facultés d’agronomie et des lettres et sciences humaines, les chercheurs, la famille forestière, ainsi que l’artiste allemande Astrid S. Klein, a permis d’offrir un programme très riche. C’est grâce à ces partenariats que ce programme a pu voir le jour et qu’il pourra perdurer.

Nous invitons toutes les parties prenantes – musées, universités, organisations de défense de l’environnement et citoyens engagés – à se joindre à ce mouvement, à soutenir ce type d’initiatives et à participer à la création d’un avenir durable pour les générations futures. Ensemble, nous pouvons faire de cette démarche écoéducative et artistique un modèle à suivre, et garantir un retour aux sources véritablement porteur d’espoir et d’action.

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REMERCIEMENTS ET PERSPECTIVES D’AVENIR

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Nous remercions chaleureusement l’artiste Astrid S. Klein et le professeur Albert Gouaffo pour l’initiative de ce projet. Nous remercions particulièrement Astrid S. Klein pour la mise à disposition des fonds nécessaires à la réalisation de ces ateliers. Nous exprimons également notre gratitude envers tous ceux qui ont contribué à la réalisation de cet événement, notamment les intervenants, les membres de la famille forestière, les enfants et leurs familles, ainsi que nos partenaires institutionnels. Cette initiative marque le début d’un voyage, et nous sommes déterminés à faire grandir ce programme pour qu’il devienne une référence dans le domaine de l’écoéducation et de la conservation culturelle. Ensemble, œuvrons pour un avenir durable, respectueux de l’environnement et riche de nos traditions. Grâce à la collaboration de l’équipe de l’Université de Dschang, du Musée des Civilisations et de la famille forestière, cet atelier a permis aux enfants d’avoir une approche concrète et artistique des défis écologiques actuels.

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Photo de famille, cérémonie d’ouverture des ateliers le 07 février 2025 au Musée des civilisations à Dschang.

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Liste des participants :

1. Équipe d’organisation : Pr. Felix Meutchieye, Mme Astrid S. Klein, Pr. Albert Gouaffo, Dr Herbert Abdoulaye, Dr Lucie Mbogni Nankeng
2. Membres de la famille forestière : Ngoufack Herman, Aton Yofack, Njiki Fopossi Lorna, Melekiakeu Ilarie, et bien d’autres.
3. Liste des enfants : Tadjuefouo Nathan, Poundé René, Mbogni Nellissa, Meféya Brayan, et d’autres enfants passionnés par l’art et l’environnement.

Restez connectés !

Pour plus d’informations sur nos futures initiatives, suivez-nous sur notre site et nos réseaux sociaux. Ensemble, faisons de la transmission des savoirs et de la préservation de la biodiversité une réalité pour les générations futures.

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Sponsoriser ou Participer

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Contribuez à la Reconnexion en Participant ou en Sponsorisant… dès Aujourd’hui !

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La quête pour renouer avec notre identité culturelle ne dépend pas uniquement des artistes. Contactez-nous dès maintenant pour découvrir comment soutenir le Fonds Lessa’a et restez informé(e) des dernières avancées de notre travail.

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NOTE DE VOYAGE — SMITHSONIAN INSTITUTIONS, OCTOBRE 2024

FR.

Dr. Lucie Mbogni Nankeng

post doctorale researcher “Reconnecting object” https://reconnecting.art/

Centre des cultures marron et lessa’art Kids academy https://lessaa.org/   

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Sources: images Lucie Nankeng, le 6 octobre 2024 à Washington DC/Smithsonian Institutions/National Muséum of Africain Art.

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INTRODUCTION 

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Du 5 au 18 octobre 2024, j’ai eu l’honneur de participer à un programme d’échange exceptionnel organisé dans le cadre du Cultural Heritage Forward, une initiative du Smithsonian Institution. Ce programme rassemble des experts du patrimoine culturel et des communautés d’origine pour réfléchir ensemble aux nouvelles pratiques muséales et aux questions liées à la restitution des objets culturels. L’édition d’octobre 2024 de ce programme réunissait une cohorte internationale composée de collègues du Nigéria, du Cameroun, de la Nouvelle-Zélande et du Vietnam, permettant ainsi des échanges interculturels riches et diversifiés, en plus avec les Membres du gouvernement d’État américain et l’équipe plurielle du Smithsonian Institution. Ma participation à cette première rencontre physique à Washington D.C. en tant que membre expert du patrimoine culturel et de la liaison permanente avec les communautés locales s’est finalement cristallisée autour de la collection d’œuvres camerounaises dans le Musée national d’Art africain, et surtout sur la question de la statue reliquaire Byeri, un artéfact sacré et rituel des Fangs du sud Cameroun, « vallée du Ntem », présent dans l’exposition publique. Il s’agissait aussi d’explorer la notion d’intendance partagée dans les musées contemporains et d’étudier comment rendre opératoire ce concept dans l’examen des collections muséales actuelles. Une belle et dynamique équipe du Smithsonian était à la coordination de ce programme d’échange et elle nous a reçus merveilleusement bien, au point que nous avions simplement envie de rester pour poursuivre les conversations. Je leur dis encore merci et allons de l’avant ! »

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Source : images de LIZ Et de DUNG, le 18 octobre 2024 à Washington DC.

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LE RELIQUAIRE BYERI : UN HÉRITAGE SPIRITUEL ET CULTUREL

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La statue reliquaire Byeri, qui occupe une place centrale dans les rituels des peuples Fang qu’on retrouve géographiquement entre le Cameroun, le Gabon, le Congo, et la Guinée équatoriale, représente plus qu’un simple objet culturel : elle incarne la connexion spirituelle entre les vivants et les ancêtres. Sculptée de manière anthropomorphe, elle sert d’intermédiaire entre les deux mondes, guidant et protégeant la communauté. Pour les Fangs du Cameroun, cette statue est un lien vivant, dont la présence et la protection assurent le bienêtre collectif. L’accès à la statue est strictement réservé aux initiés, afin de préserver sa dimension sacrée et spirituelle. Le déplacement de cette statue en dehors de son contexte originel a profondément affecté la communauté fang, et sa présence dans les musées étrangers peut susciter des questionnements sur sa trajectoire historique, son identité actuelle et métamorphosée, ainsi que sur la manière dont ces objets sacrés doivent être gérés, respectés et, éventuellement, restitués.

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LE PROGRAMME CULTURAL HERITAGE FORWARD:

UN ESPACE DE RÉFLEXION SUR L’INTENDANCE PARTAGÉE

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Le programme Cultural Heritage Forward, auquel j’ai participé, visait à rassembler des experts et des praticiens du patrimoine de divers horizons pour engager une réflexion commune sur des enjeux cruciaux comme la gestion partagée du patrimoine culturel dans une éthique de la relation. Ces échanges ont permis d’approfondir la compréhension des enjeux contemporains de la muséologie, notamment la manière de repenser la restitution des « objets » culturels pris hors de leur contexte originel, ainsi que la mise en place de nouvelles pratiques d’intendance partagée.

La question de l’intendance partagée, en particulier, a été au cœur des discussions, visant à dépasser les modèles traditionnels où les musées gèrent de manière unilatérale les objets culturels, leur donnent une nouvelle identité et de nouveaux sens sans tenir compte des communautés qui les ont produites. Ce modèle innovant cherche à inclure les communautés d’origine dans la gestion et la préservation de leur propre patrimoine, en favorisant un dialogue permanent et en reconnaissant les droits culturels des peuples. Cela inclut la participation active des communautés dans les décisions relatives à la restitution et à la conservation des objets, ainsi que l’intégration des savoirs traditionnels dans les pratiques muséales modernes.

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LES ÉCHANGES AVEC LES COMMUNAUTÉS CAMEROUNAISES ET SURTOUT LA COMMUNAUTÉ FANG :

UN PROCESSUS ESSENTIEL

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Pendant et après cette rencontre, j’ai eu l’occasion de discuter avec des collègues d’horizons variés et d’engager un dialogue avec les autorités culturelles et traditionnelles du Cameroun (Bamendjinda, Bamendjo, Babété, Bamendjou, entre autres), et surtout des Fangs, dont le chef supérieur, Sa Majesté Mvondo (avec les collègues de la team Cameroun de la cohorte). Ces échanges ont été essentiels pour comprendre les sensibilités et les enjeux autour des objets cultuels ou rituels, ou des objets/sujets spoliés, achetés ou échangés, et en circulation hors du continent africain depuis la période coloniale, parmi lesquels la statue Reliquaire Byeri. Au cours des échanges avec Sa Majesté Mvondo et la team Cameroun, il a exprimé sa surprise et son incompréhension quant à la présence de la statue au Smithsonian. Il a également salué l’initiative de restaurer les liens avec cet artéfact sacré et les communautés d’origine. Il a souligné que la statue représente bien plus qu’un simple objet : elle incarne l’esprit des ancêtres et la continuité culturelle fang.

Ces discussions ont permis de poser les bases d’un processus de questionnement sur une histoire partagée et des relations futures qui ne se limiteraient pas au retour physique de la statue et des objets déplacés hors de leurs communautés d’origine, mais qui impliqueraient également un engagement plus profond des communautés dans la gestion et la protection de leur patrimoine. L’intendance partagée se matérialise ici par une approche inclusive et respectueuse des cultures locales, permettant aux communautés d’être actrices de leur propre histoire et de la gestion de leurs objets sacrés dans et par les musées.

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LES QUESTIONS DE RESTITUTION ET D’INTENDANCE PARTAGÉE

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Un premier acte symbolique a été réalisé pendant mon séjour et le déroulement du programme d’échange en présentiel à Washington D.C. : la statue Reliquaire Byeri a été retirée de son exposition publique au Musée national d’Art africain du Smithsonian par la team Cameroun, constituée des Dr Rachel Mariembé, Lucie Mbogni Nankeng, et des Dames Benis Nchang et Paule Dassi, en collaboration avec l’équipe de ce musée.

Cependant, plutôt que de la retourner directement à son environnement originel, la figure du Reliquaire Byeri a été placée dans la réserve de ce musée et un processus administratif a été engagé par les responsables du musée pour s’assurer de la poursuite des activités de recherche autour de cette pièce sensible et de bien d’autres œuvres de la collection Cameroun. Ce geste marquait ainsi la présence/absence de l’artéfact dans le musée et ses collections, et son rôle sacré et non exposable au public non initié. Ceci a été conçu comme une reconnaissance de la figure du reliquaire Byeri en tant qu’entité spirituelle toujours vivante et centrale dans la communauté fang, tout en marquant une étape vers sa restitution ou son intendance partagée.

Ce processus va au-delà du simple rapatriement physique de la statue, mais implique également une reconnaissance de la gestion partagée de cet objet sacré et de l’implication des communautés dans sa préservation et son respect. Cela pourrait inclure des protocoles de conservation développés en collaboration avec les communautés d’origine, ainsi que la mise en place de nouveaux espaces muséaux qui reflètent ces partenariats. Un texte collectif de la team Cameroun a été conçu pour justifier auprès du public la raison de ce retrait de la figure du reliquaire Byeri de l’exposition publique. Une nécessité de la recherche de provenance liée à cet artéfact et à bien d’autres objets de la collection a également été bien précisée par la team Cameroun aux responsables du musée et nous sommes heureux des développements en cours allant dans ce sens.

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row column_structure= »1_2,1_2″ _builder_version= »4.21.0″ _module_preset= »default » width= »90% » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »1_2″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_image src= »https://lessaa.org/wp-content/uploads/2025/03/Picture5.jpg » title_text= »Picture5″ align= »center » _builder_version= »4.25.2″ _module_preset= »default » width= »87% » border_width_all= »4px » global_colors_info= »{} »][/et_pb_image][et_pb_text _builder_version= »4.25.2″ _module_preset= »default » text_font= »||on|||||| » text_font_size= »10px » text_line_height= »2.2em » header_4_font= »Architects Daughter|700||||||| » header_4_font_size= »23px » header_4_line_height= »2em » text_font_size_tablet= » » text_font_size_phone= »15px » text_font_size_last_edited= »on|phone » header_4_font_size_tablet= »23px » header_4_font_size_phone= »17px » header_4_font_size_last_edited= »on|desktop » global_colors_info= »{} »]

Source : images Lucie Mbogni Nankeng, le 15 octobre 2024, exposition publique de la figure du reliquaire Byeri au musée national d’art Africain/Smithsonian

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Source : images Lucie Mbogni Nankeng, la figure du reliquaire Byeri déplacée vers la réserve du musée national d’art Africain/Smithsonian par l’équipe du musée et la team Cameroun.

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UN MUSÉE APAISÉ :

VERS UN AVENIR DE RÉCONCILIATION ET DE RESPECT MUTUEL

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Ce programme d’échange au Smithsonian a permis de remettre en question les pratiques muséales traditionnelles et de promouvoir un modèle de gestion plus respectueux et inclusif. Il a aussi permis de constater que les musées, loin d’être des espaces de conservation fermés, peuvent et doivent devenir des lieux d’échange, où les cultures d’origine ont leur place et où la réconciliation et la reconnaissance des droits culturels sont primordiales. L’intendance partagée et la restitution ne sont pas uniquement une question de retour d’objets, mais aussi un moyen de promouvoir un respect mutuel et de réparer les injustices historiques.

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section][et_pb_section fb_built= »1″ _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » background_color= »rgba(0,0,0,0.1) » global_colors_info= »{} »][et_pb_row _builder_version= »4.23.4″ _module_preset= »default » width= »90% » custom_padding= »||0px||| » animation_direction= »left » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »4_4″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_text _builder_version= »4.25.2″ _module_preset= »default » header_2_font= »Ubuntu|700||||||| » header_2_text_align= »center » header_2_font_size= »45px » header_2_line_height= »1.4em » header_4_font= »Architects Daughter|||||||| » header_4_font_size= »25px » header_4_line_height= »2em » custom_margin= »||50px||false|false » custom_padding= »||25px||false|false » animation_style= »slide » animation_direction= »right » header_2_font_size_tablet= »40px » header_2_font_size_phone= »30px » header_2_font_size_last_edited= »on|phone » box_shadow_style= »preset4″ box_shadow_horizontal= »0px » box_shadow_vertical= »2px » box_shadow_color= »#7CDA24″ global_colors_info= »{} »]

CONCLUSION

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EN CONCLUSION, cette expérience, enrichie par les échanges avec des collègues du Nigéria, du Cameroun, de la Nouvelle-Zélande et du Vietnam, les Membres du gouvernement d’État américain et l’équipe du Smithsonian Institution a permis de poser les bases d’un avenir muséal plus juste et plus respectueux des droits des communautés d’origine. Grâce au programme Cultural Heritage Forward, nous avons ouvert un espace de réflexion sur la manière dont les musées peuvent participer à la réconciliation et à la préservation du patrimoine culturel dans un monde globalisé.

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Source : Image de LIZ, le 17 octobre 2024 à Washington DC.

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Source : Image de Lucie Mbogni Nankeng, le 7 octobre 2024 au musée national d’art africain/ Simthsonian/ Washington DC.

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Sponsoriser ou Participer

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Contribuez à la Reconnexion en Participant ou en Sponsorisant… dès Aujourd’hui !

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La quête pour renouer avec notre identité culturelle ne dépend pas uniquement des artistes. Contactez-nous dès maintenant pour découvrir comment soutenir le Fonds Lessa’a et restez informé(e) des dernières avancées de notre travail.

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Conçue dans le cadre du projet de recherche transnational « Reconnecting “Objects”. Pluralité épistémique et pratiques transformatrices dans et au-delà des musées » (2021-2025), l’exposition « Branching Streams. Esquisses de parenté » réunit chercheurs et artistes opérant entre l’Afrique et l’Europe. Bien que la 15e Biennale d’art africain contemporain de Dakar ait été reportée, notre exposition au Musée Théodore Monod d’art Africain/IFAN s’est tenue comme prévu (du 18 mai 2024 au 30 septembre 2024), offrant un espace collaboratif aux approches plurielles et feconds. 

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ET SI LE FIL TRADUISAIT LES LANGAGES DU FUTUR…

Une Exposition au Musée d’Art Africain Théodore Monod de Dakar

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Telle une onde sonore qui connecte ou déconnecte les espaces virtuels ou réels,

Une raison d’être au monde ?

Une formule matérielle et métaphorique de conservation et de transmission ?

Une traduction d’une continuité, d’une discontinuité ou d’un dialogue des contextes ?

Une vibration qui rapproche les sensibilités et oriente le regard ?

Une relation ontologique des mondes extérieurs et subjectifs ?

Une liaison des géographies, des histoires et des mémoires ?

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Un moule chromosomique qui forge et relie l’infiniment plus grand ou l’infiniment plus petit ?

Une toile qui emprisonne et libère en même temps ?

Un outil politique, diplomatique et stratégique ?

Une création de nouveaux imaginaires du futur ?

Une manière d’imaginer de nouveaux langages pour les musées du futur qui seraient : multimodales, panafricains (futuristes), intersectionnels et multicentrés ?

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row _builder_version= »4.21.0″ _module_preset= »default » width= »90% » custom_padding= »0px||0px||| » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »4_4″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_text _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » text_line_height= »2.2em » header_4_font= »Architects Daughter|700||||||| » header_4_font_size= »23px » header_4_line_height= »2em » text_font_size_tablet= » » text_font_size_phone= »15px » text_font_size_last_edited= »on|phone » header_4_font_size_tablet= »23px » header_4_font_size_phone= »17px » header_4_font_size_last_edited= »on|desktop » global_colors_info= »{} »]

Le fil circule et suggère le mouvement d’une trame narrative entamée depuis Dschang au Cameroun en février 2023. Sa réalité relationnelle met en résonances divers espaces alternatifs de conservation et de transmission des savoirs et des mémoires dans et surtout au-delà de l’enfermement dans les murs. Le mouvement et la connectivité rappelée par le fil s’inscrit en effet dans le caractère dynamique de ces espaces de conservation/transmissions que sont entre autres les greniers, les calebasses-réserves des semences, des sanctuaires avec la notion de soins, des paniers aux tissages localement pédagogiques, et surtout la navette du tisserand qui permet métaphoriquement et concrètement le métissage d’histoires et de mémoires fécondes.

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section][et_pb_section fb_built= »1″ _builder_version= »4.23.4″ _module_preset= »default » background_enable_color= »off » custom_margin= »50px||50px||true|false » custom_padding= »0px||0px||true|false » border_width_top= »1px » border_width_right= »1px » border_width_bottom= »1px » border_width_left= »1px » global_colors_info= »{} »][et_pb_row column_structure= »1_2,1_2″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » width= »95% » custom_padding= »||0px||| » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »1_2″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_image src= »https://lessaa.org/wp-content/uploads/2024/06/Z5A_7253.jpg » title_text= »Z5A_7253″ align= »center » _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » width= »100% » border_width_all= »4px » global_colors_info= »{} »][/et_pb_image][/et_pb_column][et_pb_column type= »1_2″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_text _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » header_4_font= »Architects Daughter|700||||||| » header_4_font_size= »23px » header_4_line_height= »2em » text_font_size_tablet= » » text_font_size_phone= »15px » text_font_size_last_edited= »on|phone » header_4_font_size_tablet= »23px » header_4_font_size_phone= »17px » header_4_font_size_last_edited= »on|desktop » global_colors_info= »{} »]

Le fil et ses métaphores de reconnexion et du lien ou de la rencontre proposent de faire attention aux contextes et à toute réalité faisant sens auprès de communautés locales, dans le processus de réimagination des musées du futur. Peu importe le fait linguistique dans lequel il se traduit et le fait social dans lequel il prend corps, le fil est au centre de la constellation créative qui anime cette réflexion. Ce fil convoque les substrats linguistiques et socioculturels pour créer un mouvement qui croise le local et le global, traverse les épistémés panafricaines et porte des utopies décoloniales de conservation et de transmission des savoirs dans et surtout au-delà du musée.

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Sa circulation rhizomique ou discontinue, participe à la création qui échappe parfois au contrôle et libère les possibles. En évitant d’une part des expérimentations hors-sol, et d’autre part des gestes essentialistes qui proposeraient le retour à une Afrique mythique et exotique, les langages du futur tissés visuellement et métaphoriquement par le fil multiforme et organique au cœur de cette recherche-création participative, désaffilient les géographies situées/figées, pour penser de nouvelles formes de pluralités qui se démarquent de la notion de permanence prétendument indispensable à l’existence du réel. Loin du comparatisme avec les approches classiques, il s’agit d’imaginer des langages qui font sens auprès des publics, avec qui il est essentiel de travailler ces utopies en observant leurs métamorphoses.  À partir d’un questionnement et d’une imagination des pratiques muséales alternatives, cette occurrence voudrait conceptuellement et visuellement penser une multitude de modèles, d’approches et de langages qui prennent en compte des paramètres symétriques, linguistiques, contextuels, relationnels, éthiques et esthétiques dans des dynamiques contemporaines.

En plus, il s’agit davantage dans cette conceptualisation, de donner ou de figurer la vie et une âme au musée, de mettre un accent sur la notion de soin des corps, des âmes et des objets, pour porter un regard interrogatif sur la notion de dé territorialité et la relocalisation des « objets » dans les musées. Imaginer des espaces futurs collaboratifs et fédérateurs qui intègrent l’altérité, l’ordinaire ou le public d’en bas, s’organise à travers la présence physique et symbolique représentative de leur vie de tous les jours dans la scénographie de cette réflexion.  Ceci est de nature à éviter la revanche des contextes quant à la réinvention des nouvelles approches muséales décoloniales. Penser le fil par le tissage qui connecte les réserves matrimoniales et patrimoniales ordinaires aux archives classiques du musée et qui propose une opération dynamique, suggère une hospitalité au musée panafricainement recomposé.

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row column_structure= »3_5,2_5″ _builder_version= »4.21.0″ _module_preset= »default » width= »94% » custom_margin= »2px|auto||auto|| » custom_padding= »||0px||| » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »3_5″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_text _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » header_4_font= »Architects Daughter|700||||||| » header_4_font_size= »23px » header_4_line_height= »2em » text_font_size_tablet= » » text_font_size_phone= »15px » text_font_size_last_edited= »on|phone » header_4_font_size_tablet= »23px » header_4_font_size_phone= »17px » header_4_font_size_last_edited= »on|desktop » global_colors_info= »{} »]

L’archétype de l’araignée et surtout la navette du tisserand au centre de cette constellation, expriment de façon visuelle et métaphorique, la vertu de l’absorption, de la transformation et de la création que les cosmogonies des grassfields, des Sénégalais et des Africains tous entiers, reconnaissent à cet animal de la divination qu’est l’araignée. L’intention est ainsi de permettre symboliquement à cet animal de la transfiguration, de participer à la construction des utopies langagières et pratiques des musées du futur en créant l’élément primordial qui lie et unie, mais surtout qui connecte les espaces géographiques, les subjectivités humaines, les complexités existentielles, les énergies nouvelles, les épistémés parfois contradictoires, des continuités malgré des ruptures possibles, dans et au-delà des murs. Les idées du mouvement, de perception, de la circulation, de la relation, de la figuration et de la co-construction, du dialogue ou de la connexion, sont essentielles dans cette distribution du fil libéré par l’araignée et réarticulé par la navette du tisserand qui organise ce propos.

[/et_pb_text][/et_pb_column][et_pb_column type= »2_5″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_image src= »https://lessaa.org/wp-content/uploads/2024/06/Z5A_7210.jpg » title_text= »Z5A_7210″ align= »center » _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » width= »100% » border_width_all= »4px » global_colors_info= »{} »][/et_pb_image][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row _builder_version= »4.21.0″ _module_preset= »default » width= »94% » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »4_4″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_text _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » header_4_font= »Architects Daughter|700||||||| » header_4_font_size= »23px » header_4_line_height= »2em » text_font_size_tablet= » » text_font_size_phone= »15px » text_font_size_last_edited= »on|phone » header_4_font_size_tablet= »23px » header_4_font_size_phone= »17px » header_4_font_size_last_edited= »on|desktop » global_colors_info= »{} »]

En effet, en relevant la dimension sculpturale, la navette du tisserand matérialise le geste de création et du tissage des liens et des imaginaires qui traversent les barrières internes et externes au musée, pour faire des langages muséaux du futur, des possibilités de dynamisme co-construit. La dimension organique mise en exergue, associée à la performance symbolique des éléments ordinaires de la vie des banlieues sénégalaises et des villages camerounais, exprime l’idée de l’acceptation du renouvèlement constant depuis le musée vers d’autres espaces-musées (greniers traditionnels, calebasses, réserves des graines de semences, paniers remplis de graines, symboles de l’hospitalité et du partage, donnant un sens à l’altérité, etc..). Elle figure aussi la mort possible et la réincarnation ou la transformation dans une nouvelle éthique dynamique et contingente non fusionnelle, mais rhizomique, capable de créer à chaque fois de nouvelles formes. À partir du détachement et de la connexion à travers le fil libéré par l’araignée, ce travail s’inscrit dans un esprit de rupture et de continuité depuis l’intérieur de la case, du musée et de l’environnement immédiat du musée. En se désaffiliant d’une approche nostalgique, backgroundée, ou référée depuis les dynamiques du dehors au sens où l’entend Georges Balandier. Ce concept imagine donc la formulation expérimentale et complexe attachée au réel Africain et aux catégories porteuses de sens et de puissances dans les contextes locaux, dans et au-delà des musées.

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][/et_pb_section][et_pb_section fb_built= »1″ _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » background_color= »rgba(0,0,0,0.1) » global_colors_info= »{} »][et_pb_row _builder_version= »4.23.4″ _module_preset= »default » width= »90% » custom_padding= »||0px||| » animation_direction= »left » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »4_4″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_text _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » header_2_font= »Ubuntu|||||||| » header_2_text_align= »center » header_2_font_size= »40px » header_2_line_height= »1.3em » header_4_font= »Architects Daughter|||||||| » header_4_font_size= »25px » header_4_line_height= »2em » custom_margin= »||50px||false|false » custom_padding= »||25px||false|false » animation_style= »slide » animation_direction= »left » header_2_font_size_tablet= »40px » header_2_font_size_phone= »30px » header_2_font_size_last_edited= »on|phone » box_shadow_style= »preset4″ box_shadow_horizontal= »0px » box_shadow_vertical= »2px » box_shadow_color= »#7CDA24″ global_colors_info= »{} »]

INSTALLATION

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row _builder_version= »4.21.0″ _module_preset= »default » width= »90% » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »4_4″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_text _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » header_4_font= »Architects Daughter|700||||||| » header_4_font_size= »23px » header_4_line_height= »2em » text_font_size_tablet= » » text_font_size_phone= »15px » text_font_size_last_edited= »on|phone » header_4_font_size_tablet= »23px » header_4_font_size_phone= »17px » header_4_font_size_last_edited= »on|desktop » global_colors_info= »{} »]

Conçu depuis le Cameroun, ce module met en dialogue, les créations de quatre artistes camerounais en partie développées à Dschang, dans le cadre de l’exposition et des rencontres « reconnect » en février 2023 (Sidoine Yonta, Serges Demefack, Lauriane Yougang et Stévie Douanla et du réalisateur du film de cette exposition-workshop Sammy pro et al). Leurs divergences techniques et leurs approches artistiques plurielles se rencontrent autour du « nkeuu-  fil- weugne » et de ses métaphores.

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row _builder_version= »4.21.0″ _module_preset= »default » width= »90% » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »4_4″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_image src= »https://lessaa.org/wp-content/uploads/2024/06/Z5A_7096.jpg » title_text= »Z5A_7096″ align= »center » _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » width= »100% » border_width_all= »4px » global_colors_info= »{} »][/et_pb_image][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row column_structure= »3_5,2_5″ _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » width= »90% » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »3_5″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_text _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » header_4_font= »Architects Daughter|700||||||| » header_4_font_size= »23px » header_4_line_height= »2em » text_font_size_tablet= » » text_font_size_phone= »15px » text_font_size_last_edited= »on|phone » header_4_font_size_tablet= »23px » header_4_font_size_phone= »17px » header_4_font_size_last_edited= »on|desktop » global_colors_info= »{} »]

Le choix des couleurs vives et urbaines (le rouge et le blanc) pour cette installation n’est pas fortuit. Le rouge représente pour cette utopie panafricaine et décoloniale, les couleurs de la vie, de la re-naissance, de la re-connexion et du renouvèlement souhaité depuis l’architecture complète du musée. Elle est inscrite dans les gisements culturels et cosmogoniques africains et attachée à l’univers de la femme.  Cette couleur rouge pâle ou vive selon les circonstances, matérialise la vie, la fécondité et la procréation souhaitée au musée pour imaginer sa mutation. Le blanc qui est l’une des couleurs primordiales dans les cosmogonies africaines suggère la complexité et l’extrême simplicité du geste, le deuil thérapeutique et l’espoir envisagé pour de possibles rencontres réelles dans et hors des murs.

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Partant d’un état nuageux, complexe et en sentier, faisant émerger les questions de la récupération, de la transformation et de la ré-création à l’image de l’araignée, le revêtement extérieur de l’installation est pris en charge par l’univers féminin en perpétuelle transformation développé par l’artiste Lauriane Yougang, et par la mosaïque sur récupération textile et organique de Serges Demefack.  Le cœur de l’installation offre un environnement conscient et expectatif avec la densification progressive des énergies qui fait émerger l’archétype de l’araignée avec sa toile en nuage au sommet de la case et la navette du tisserand au beau milieu de cette constellation.

[/et_pb_text][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row column_structure= »1_3,1_3,1_3″ _builder_version= »4.23.4″ _module_preset= »default » background_color= »#FFFFFF » width= »90% » custom_padding= »25px|25px|25px|25px|true|true » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »1_3″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_image src= »https://lessaa.org/wp-content/uploads/2024/06/Z5A_7189.jpg » title_text= »Z5A_7189″ align= »center » _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » width= »100% » border_width_all= »4px » global_colors_info= »{} »][/et_pb_image][/et_pb_column][et_pb_column type= »1_3″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_image src= »https://lessaa.org/wp-content/uploads/2024/06/Z5A_7091.jpg » title_text= »Z5A_7091″ align= »center » _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » width= »100% » border_width_all= »4px » global_colors_info= »{} »][/et_pb_image][/et_pb_column][et_pb_column type= »1_3″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_image src= »https://lessaa.org/wp-content/uploads/2024/06/Z5A_7304.jpg » title_text= »Z5A_7304″ align= »center » _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » width= »100% » border_width_all= »4px » global_colors_info= »{} »][/et_pb_image][/et_pb_column][/et_pb_row][et_pb_row _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » background_color= »#FFFFFF » width= »90% » custom_margin= »-25px||25px||false|false » custom_padding= »25px|25px|25px|25px|true|true » global_colors_info= »{} »][et_pb_column type= »4_4″ _builder_version= »4.20.0″ _module_preset= »default » global_colors_info= »{} »][et_pb_text _builder_version= »4.24.3″ _module_preset= »default » text_font_size= »12px » header_4_font= »Architects Daughter|700||||||| » header_4_font_size= »23px » header_4_line_height= »2em » custom_margin= »0px||0px||true|false » custom_padding= »0px||0px||true|false » text_font_size_tablet= » » text_font_size_phone= »15px » text_font_size_last_edited= »on|phone » header_4_font_size_tablet= »23px » header_4_font_size_phone= »17px » header_4_font_size_last_edited= »on|desktop » global_colors_info= »{} »]

Mosaïque sur récupération textile et organique de Serges Demefack

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Répresentation de l’univers féminin en perpétuelle transformation par Lauriane Yougang

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Le processus de récupération, de manipulation du fil et de sa transformation est expérimenté par l’artiste Stévie Douanla avec la combinaison des tissus traditionnels africains. Loin d’être une reproduction nostalgique des cases traditionnelles bamilékées du Cameroun, le squelette de la case construit dans le Musée, exprime une réaction contradictoire ou une tension symbolique avec ce legs colonial. Cette perturbation, sous forme de case, constitue également un questionnement sur l’altérité et les mémoires déterritorialisées dans les processus de translocations coloniales, pour reprendre Bénédicte Savoy dans son long combat de l’Afrique pour son art  (Bénédicte Savoy, 2023). Elle représente aussi une invitation à associer les références locales à la construction du narratif dans le musée et surtout au-delà. 

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Récupération, manipulation et transformation du fil expérimenté par Stévie Douanla

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Exploration de la figure du forgeron par Sidoine Yonta

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La figure du forgeron, explorée par l’artiste Sidoine Yonta, prolonge l’installation à l’extérieur de la case (en arrière), pour laisser apparaitre une métaphore de la création des langages du musée autrement, synthèse des mémoires intersubjectives. L’aspect urbain et profane de l’espace est pris en charge par les sacs de l’artiste Stevie Douanla qui, par un geste progressif, passe le témoin de cette concentration mémorielle et symbolique aux enfants dans leur médiathèque à travers l’escalier du musée.

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Le rappel de la navette du tisserand à l’extérieur du musée utilise le fil pour irradier et mettre en relation d’autres langages et d’autres archives vivantes.  Loin d’être un simple objet, la navette chargée d’une antériorité et d’une intériorité, est une archive dont la présence matérialise les possibilités de croisement, du mouvement mental et symbolique, grâce à son déploiement assisté du fil. Chaque fibre transporte une histoire qui se vit et se rencontre avec d’autres histoires pour imaginer au final, une histoire différente. Le fil matériel devient de fait, le fil conducteur d’un processus de création inachevée, en perpétuel mouvement, toujours en train de se faire et se défaire articulé par un rythme vibratoire qui vitalise l’ensemble. Chacun des artistes priorise un angle de perception des différentes facettes de l’araignée dans un espace en spirale.

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ESPACE RECHERCHE

LUCIE MBOGNI NANKENG

Archives alternatives ordinaires

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Cette installation sur piliers et socles est le support symbolique de la relation, situé entre l’absence et la permanence, aux marges du vide et du potentiellement comblé, de la prévision et de l’hospitalité ayant une saillance sur l’humain. Mettant en dialogue des espaces-réserves locaux, des graines de semences pour une germination des langages du futur, des éléments matériels du partage et de l’hospitalité africaine, cette exploration vise à donner une certaine âme non seulement au Musée, mais aussi et surtout, à la combinaison des réalités humaines et symboliques qui forment cette écologie.  Au fondement de toute existence, il y a un pouvoir de germination et de connexion du réel et de l’imaginaire.

Le soin est également un élément essentiel pour tout être vivant, qu’il soit humain ou non humain, et que ce soin soit matériel ou immatériel.  La présence des éléments rappelant l’ordinaire des communautés africaines au-delà des nations est une intention et une invitation à porter le regard sur une humanité relative, inscrite dans une sorte de continuité avec les non-humains dont la relation fructueuse est fonction des gestes de soins mutuels. L’homme devant être aux plantes, ou aux autres outils organiques entretenant sa vie au quotidien, ce que ces plantes sont aussi pour lui, humain.

Dans ce procès, ce musée a donc besoin d’âme pour devenir un espace de vie et de création des possibles dont le soin est de nature à permettre l’éclosion d’un espace fédérateur co-construit depuis les marges. Il relativise la notion de l’art qui, dans les contextes africains, englobe l’esthétique et les usages, le réel et le figuré. L’aspect matériel visuellement présent n’invisibilise donc pas l’aspect symbolique immatériel dont la combinaison et le caractère vivant ou participatif au quotidien sont autant de forces pour les existants.

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Installation sur piliers et socles – Archives alternatives ordinaires

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Composition : calebasse de 40 cm de diamètre, grenier grassfields camerounais, panier circulaire de 40 cm de diamètre, contenant des graines de semences, du maïs en épis, jujubes, noix de Cola, sel, huile rouge, arbre de Paix. Deux navettes du tisserand de 60 cm de long (éléments chargés de sens et symboles de connexion, d’hospitalité et de transmission depuis les cartographies sociales africaines).

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                                                            FILM

Reportage filmique des rencontres et de l’exposition « Reconnecter les objets, les savoirs et/avec les sujets », organisée à Dschang, du 18 au 28 février 2023, 

Full HD, vidéo, 18,19’, image et montage : Sammy Pro, 2023-2024.

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À VOUS LA NAVETTE

Espace de co-construction des langages du futur

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Agir par l’intervention collective à partir d’un bout de fil, créer les imaginaires et les archives du futur grâce aux dialogues, aux frottements et aux transformations/réadaptations du fil. Cartographie collective faite d’autocollants circulaires multicolores et des stylos de couleur.

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Source : image de Lucie Mbogni Nankeng, case Grassfields de la chefferie Bandjoun à l’ouest du Cameroun, mai 2023.

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Concept : Lucie Mbogni Nankeng

Artistes : Serges Demefack, Stevie Douanla, Lauriane Yougang, Sidoine Yonta

En collaboration avec : Albert Gouaffo (Principal Investigator-Dschang) du projet « reconnecting Objects… ».

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Ecriture : Dr. Lucie Nankeng
Edition et mise en page : Sidoine Mbogni

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Sponsoriser ou Participer

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Contribuez à la Reconnexion en Participant ou en Sponsorisant… dès Aujourd’hui !

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La quête pour renouer avec notre identité culturelle ne dépend pas uniquement des artistes. Contactez-nous dès maintenant pour découvrir comment soutenir le Fonds Lessa’a et restez informé(e) des dernières avancées de notre travail.

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Rapport d’activités 2023 de Lessa’a / Lessa’art Kids

 

PROGRAMME « MUSÉE-MARRON » : de la conservation et de la transmission vivante des savoirs

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Dans l’ombre des montagnes de l’Ouest Cameroun, l’association Lessa’a écrit une nouvelle page de son engagement envers la jeunesse. À travers son programme « Musée-Marron », l’association se pose en pionnière, guidant les enfants du club Lessa’art Kids dans un voyage de découverte et de réappropriation de leur histoire. Dans un monde où les musées traditionnels laissent parfois place à l’indifférence, Lessa’a forge un chemin audacieux pour décentrer le concept classique du musée et insuffler une vitalité nouvelle à la transmission des savoirs. Explorez avec nous l’année 2023, témoin de cette aventure éducative et culturelle d’une rare intensité.

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Éveiller l’Imagination des Musées de Demain

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Lancé par l’association Lessa’a, le programme Musée-Marron transcende les frontières éducatives traditionnelles. Il s’agit d’une invitation audacieuse à accompagner la jeune génération dès l’école primaire dans une exploration des mémoires et des archives, un éveil aux savoirs pluriels ancrés dans la profondeur symbolique. Au cœur de cette initiative, les activités parascolaires de Lessa’art Kids, tout au long de 2023, ont agi comme catalyseurs, révélant une curiosité débordante chez ces jeunes esprits.

Déconstruction du Musée Traditionnel : Regards sur une Jeunesse Curieuse

Dans un constat franc, la communauté Lessa’art Kids, souvent inspirée par le musée des civilisations du Cameroun à Dschang, a exprimé un désintérêt envers le contenu des boîtes-musées traditionnelles. La culture muséale occidentale, importée et souvent déconnectée du contexte local, est ainsi remise en question. L’école, en dépit de son rôle éducatif, n’offre pas de dispositifs intégrés pour répondre à cette soif de connaissance. Musée-Marron aspire à décentrer la structure rigide du musée classique et à investir des espaces significatifs, contextualisés et historiquement envisageables.

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Contrairement à l’approche muséographique européenne, où l’objet et sa scénographie racontent presque toute l’histoire, Musée-Marron se fixe pour objectif de multiplier les archives. L’idée est de narrer l’histoire de manière alternative à cette jeune génération qui s’interroge. Ce projet ambitieux vise à déconstruire la conception classique du musée, levant le voile sur une identité historique autochtone souvent négligée, et à briser les barrières psychologiques qui éloignent la jeunesse des espaces muséaux.

Pour concrétiser cette vision, Musée-Marron développe plusieurs axes d’exploration. Du patrimoine aux « matrimoines mutants », des visites au cœur des villages aux mémoires archivées, en passant par la vie urbaine et rurale, chaque axe vise à immerger la jeunesse dans son environnement historique, socioculturel et écologique. Les ateliers de restitutions encouragent la créativité libre, tout en offrant des perspectives sur des métiers divers.

Une Génération Responsabilisée par l’Héritage Culturel

Musée-Marron ne se limite pas à une série d’activités, mais aspire à être un laboratoire de création de vocations et de mentoring. En se donnant plusieurs années de recherche-action-création, le programme forme les enfants à travers la lecture, le contact avec diverses formes d’archives, les guidant vers une compréhension profonde de leur héritage. Cette démarche, à terme, vise à libérer cette jeunesse des réflexes de subordination hérités du passé colonial, faisant d’eux les héritiers actifs des mémoires d’aujourd’hui et les bâtisseurs des histoires futures.

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Activités de dessins du club Lessa’art kids

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Redéfinir le Musée et Libérer les Imaginations : Objectifs du Programme 

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1 – Déconstruction du Musée Traditionnel : Éloigner les Chaînes de l’Héritage Colonial

Dans une volonté audacieuse de décentrer le musée classique, Musée-Marron engage un processus de déconstruction. L’objectif est clair : libérer le patrimoine matériel et immatériel africain des chaînes symboliques qui ont entravé son interprétation et sa compréhension. En quittant la structure rigide du musée traditionnel, le programme aspire à briser les schémas hérités de la colonisation, permettant ainsi à l’héritage culturel de respirer librement.

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2 – Transmission des Savoirs : Une Éducation au-Delà des Bancs de l’École

Musée-Marron ne se contente pas de réinventer la forme du musée, il réinvente également la manière dont les connaissances sont transmises. En mettant l’accent sur diverses formes d’archives – des chefferies aux danses patrimoniales, en passant par la visite des lieux sacrés – le programme offre une éducation qui va au-delà des bancs de l’école. Il vise à répondre aux questions profondes de la jeune génération sur son histoire et à établir des connexions significatives avec les racines culturelles, créant ainsi une plateforme d’apprentissage immersive.

3 – Création de Nouveaux Imaginaires du Futur : Nourrir les Rêves de la Jeunesse

Au cœur de Musée-Marron réside la conviction que la jeune génération doit être une force créatrice dans la construction de l’avenir. En encourageant l’immersion dans des espaces de performances du patrimoine, en organisant des visites guidées et en exposant les enfants à diverses formes d’archives, le programme vise à nourrir les rêves et les aspirations des jeunes. L’objectif ultime est de forger une génération qui, tout en comprenant et respectant son héritage, contribue également à la création de nouvelles histoires pour les générations futures.

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Tisser les Liens entre Patrimoine et Imaginaire : Les Axes de Développement

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Reconnection sans frontières avec la participation des enfants de la Diaspora Yemba des USA aux activités de danse traditionnelle

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Explorer des Racines Culturelles : Les Activités de Septembre à Novembre 2023 

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Durant les mois de septembre à novembre 2023, Musée-Marron a plongé les jeunes de Lessa’art Kids dans un tourbillon d’activités, tissant des liens tangibles avec leurs racines culturelles. À travers des initiatives innovantes, le programme a éveillé la curiosité, construit des ponts entre le passé et le présent, et a guidé la jeune génération vers une redécouverte enrichissante de son histoire.

Éveiller la Conscience Historique

Les premières étapes du programme ont été marquées par des activités de sensibilisation visant à éveiller la conscience historique des jeunes. L’importance du retour aux sources, la connexion aux patrimoines historiques et culturels, et la construction identitaire ont été des thèmes centraux. Ces activités, menées dans les lycées et établissements d’enseignement primaire de la ville de Dschang, ont posé les fondations d’un voyage éducatif profondément enraciné.

Tisser des Liens avec le Patrimoine

Souligner l’importance de la reconnexion aux patrimoines historique et culturel a été le fil conducteur. Les jeunes générations ont été encouragées à tisser des liens intimes avec leur héritage. Chaque activité a été une immersion dans un passé riche, une invitation à explorer les racines culturelles avec curiosité et respect.

Chaque intervention a été plus qu’une leçon ; c’était un voyage éducatif profondément ressenti. Musée-Marron a éduqué par l’émotion, éveillant la curiosité et cultivant le respect pour les histoires qui façonnent notre présent. Ces mois ont été les prémices d’une aventure éducative qui transcende les murs de l’école, laissant une empreinte durable dans les esprits des jeunes générations.

Ces activités, bien plus que des événements ponctuels, ont été des étincelles allumant le feu de la découverte. La prochaine section plongera dans la participation active de Lessa’art Kids au Festival Menoua Beach, une continuation naturelle de cet éveil éducatif.

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Festival Menoua Beach (Décembre 2023) : Les Éclats de Créativité de Lessa’art Kids

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Au cœur du Festival Menoua Beach et sous sous l’encadrement de l’artiste désigner Stevie Douanla et le dessinateur René Poundé, le club Lessa’art Kids a illuminé l’espace commercial par une série d’activités dynamiques. Le face painting, les ateliers artistiques et littéraires ont transformé l’atmosphère, malgré le caractère morose de l’environnement. La participation active du club, avec plus d’une vingtaine d’enfants et même des parents, a été la bouffée d’air frais qui a animé l’espace.

Éducation à Travers l’Art : Face Painting et Ateliers Artistiques

Les pinceaux chargés de couleurs vives ont tracé des histoires sur les visages des participants grâce à des sessions captivantes de face painting. Les enfants, immergés dans l’expression artistique, ont libéré leur créativité. Les ateliers artistiques ont ajouté une dimension éducative, transformant chaque coup de pinceau en une exploration de l’identité et du patrimoine.

Activités Littéraires et Écoloisirs : Apprentissage dans l’Amusement

L’art littéraire a trouvé sa place avec des lectures commentées de livres pour enfants. Les jeunes esprits ont voyagé à travers des histoires, élargissant leur horizon intellectuel. Les écoloisirs, combinant plaisir et éducation environnementale, ont sensibilisé les enfants à l’importance de préserver leur environnement quotidien.

Dynamique Familiale : La Participation des Parents dans l’Action

Loin d’être simplement une affaire d’enfants, le Festival Menoua Beach a vu une dynamique familiale s’installer. Les parents, accompagnant leurs enfants, se sont impliqués activement dans les activités. Cette participation élargie a renforcé le caractère inclusif du programme, soulignant que l’éducation et la créativité transcendent les frontières générationnelles.

Récréation à Impact : Une Présence Significative dans un Espace Difficile

Malgré le caractère amorphe de l’espace commercial, le stand de l’association Lessa’a a été le foyer d’une récréation à impact. Les rires d’enfants, les éclats de couleurs, et les discussions éducatives ont brisé la monotonie. La présence active du club Lessa’art Kids a insufflé une énergie positive, soulignant que même dans des contextes difficiles, l’éducation et la créativité peuvent fleurir.

Le Festival Menoua Beach a été bien plus qu’un simple événement festif. Il a été le terrain d’une éducation vivante, où l’art, la créativité et la participation communautaire ont fusionné pour créer des souvenirs durables. Suivez-nous pour une plongée plus profonde dans les résultats et les retombées de ces deux semaines dynamiques.

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Images des divers activités du club Lessa’art kids : Face painting, création/décoration, dessins, etc.

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Ecriture : Dr. Lucie Nankeng
Edition et mise en page : Sidoine Mbogni

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Sponsoriser ou Participer

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Contribuez à la Reconnexion en Participant ou en Sponsorisant… dès Aujourd’hui !

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La quête pour renouer avec notre identité culturelle ne dépend pas uniquement des artistes. Contactez-nous dès maintenant pour découvrir comment soutenir le Fonds Lessa’a et restez informé(e) des dernières avancées de notre travail.

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Le plus gros challenge que doit relever l’Afrique postcoloniale afin de pouvoir renaître et de mieux imaginer ses possibilités d’avenir est de réexaminer les concepts, les idéologies et les approches scientifiques coloniales (ethnologie, anthropologie, muséologie, etc…). Pour cela, l’approche artistique semble assez intéressante en ceci que l’art ne surcharge pas l’intellect qui s’en approche, mais il séduit, émerveille, électrise et engage.

L’approche par l’art est prometteuse, car elle crée des imaginaires susceptibles d’engager de nouveaux élans porteurs d’énergies positives. Elle engage le questionnement sur les significations, les pourquoi et comment et sur la portée potentielle des gestes et des créations.  Comme nous l’enseigne Mbog Bassong[1], l’art africain est expiateur, il aide la société à questionner et à travailler les traumatismes dont elle est victime. L’art traduit la manière dont les artistes sentent et vivent les tensions de la société et a donc vocation à corriger l’état mental de celle-ci afin qu’elle puisse s’épanouir et fleurir.

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Reconnecter Les Objets, Les Savoirs Et/Avec Les Sujets

Une Exposition / Workshop  » qui se tien 18 au 28 février 2023 à l’AFC et au musée des civilisations de Dschang.

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C’est partant de ces postulats que l’exposition « l’Exposition Reconnect » du 18 au 28 février 2023 à Dschang, se propose d’être un espace d’enchevêtrement des savoirs, des arts, des sciences et des cultures dans une perspective cyclique qui connecte le passé et crée des imaginaires d’avenir à partir des dynamiques du présent.

En tant qu’espace de rencontre et de performances scientifiques, artistiques et culturelles, l’occasion est donnée aux acteurs locaux de développer eux-mêmes leurs intelligences et propositions prospectives sur les questions de restitution des composantes matérielles et immatérielle de leur culture, retenues dans les musées en Occident. Il s’agit aussi de penser la reconnexion à ce patrimoine et la réinvention d’un nouveau rapport avec ces artefacts et, avec les personnes qui l’activent.

Cette exposition/workshop est ainsi favorable à l’idée et aux pratiques de conception, de conservation, de transmission et de monstration/pérennisation des savoirs patrimoniaux contextualisés.

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MONUMENT NKOUP lors des Funérailles en Pays Bamiliké – ©Sidoine Yonta

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Exposition Reconnect…

Maintenir la Flamme – féconder les connaissances actuelles – Générer les bourgeons de la culture du future

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Instruments de danse des forgerons – ©Sidoine Yonta

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Dans une démarche culturellement enracinée, cette « Exposition Reconnect » se veut être un moment de co-construction d’un imaginaire grassfields et camerounais aux multiples occurrences, capable de décentrer le débat autour des œuvres d’« arts » et des expressions culturelles fondamentalement fonctionnelles. Il s’agit d’épouser les propos du compositeur Gustav Mahler pour qui, « la tradition c’est maintenir la flamme, pas adorer les cendres »[2], pour  faire de cette rencontre une vitrine à travers laquelle s’entremêlent traditions ancestrales et traditions contemporaine, à travers laquelle se fécondent les sciences  endogènes et les connaissances actuelles pour générer les embryons et les bourgeons de la culture du futur… Pour cette Afrique restée muette ou presque, orpheline d’elle-même, de ses sciences et de ses arts, de ses avant-gardes et de ses classiques[3].

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L’objectif de cette rencontre (« Exposition Reconnect« ) est de montrer comment la polyphonie ou la plurivocalité peut créer et jeter les bases opérationnelles du changement social, ou plus exactement comment la pluralité des approches artistiques, les divergences théoriques et conceptuelles, les écarts et les frottements peuvent être source de transformations et de changements autour d’un idéal de perception, de transmission et d’imagination du présent et de l’avenir. À partir des exemples tirés des grassfields et à travers des expressions artistiques et culturelles plurielles, il est question de montrer les formes de résilience que l’Afrique a développée pour ne pas périr culturellement. A partir des flammes du passé, se réchauffent et se créent de nouveaux imaginaires dans le milieu artistique et culturel grassfield.

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Se Defaire des Préjugés du Passé…

Lors de l’Exposition Reconnect

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Cette « Exposition Reconnect » (rencontre) s’inscrit dans la logique de se défaire des interprétations, des préjugés, des descriptions, des constructions mythiques que l’Occident colonisateur a bâtis de l’Afrique en général et de ses cultures en particulier, afin qu’elle puisse dire elle-même, par elle-même et pour elle-même ce qu’elle est. Cela implique le recours aux savoirs anciens, aux pratiques spirituelles, aux expressions culturelles, aux marqueurs de sens et à son rapport à son patrimoine historique, souvent fortement transformé et engagé dans des échanges avec une société en pleine ébullition.

À travers la pluri-vocalité artistique, il s’agit de laisser les acteurs endogènes dire ce qu’ils pensent de la reconnexion à leur patrimoine et comment ils envisagent leur devenir à travers leurs créations. Se proposant d’être une courroie de transmission d’informations intergénérationnelles, mais aussi multidimensionnelles, cette rencontre avec les artistes, les artisans, les chercheurs, les lieux patrimoniaux, les lieux de création et les détenteurs des savoirs anciens, est susceptible de féconder les énergies et de proposer des ouvertures vers un futur qui soit en accord avec les valeurs d’antan, mais aussi avec les aspirations des temps présents.

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Jeunes batteurs lors d’une danse traditionnelle en pays bamiliké – ©Sidoine Yonta

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Votre Invitation…

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Echantillon d’oeuvre présente à l’exposition reconnect – ©Marios Kenfack

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Chercheurs internationals participants à l’exposition reconnect

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Artistes Participant à l’exposition reconnect

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Seance de travail au Club Art Kid Lessa’a – Travaux à découvrir lors de l’Exposition Reconnect

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[1] https://www.youtube.com/watch?v=FTb24V55G64 et Sociologie africaine : paradigme,  valeur et communication

[2] Cette citation  de Gustav Mahler  alors directeur de l’opéra de Vienne dérive de celle originelle de Jean Jaurès “Tradition ist nicht die Anbetung der Asche, sondern die Weitergabe des Feuers. »  https://www.wienerzeitung.at/nachrichten/reflexionen/geschichten/897102-Irrwege-einer-Metapher.html, 

[3]  L’ancêtre Iritisen énonçait déjà il y a 4000 ans, les premiers principes théoriques de l’esthétique, avant Platon et compagnie. Article de Obenga Théophile (1994), « La stèle d’Iritisen ou le premier traité d’esthétique de l’humanité », ANKH n ⁰3

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Exposition des dessins de Sergeo Demefack

 

DU 05 AU 10 DÉCEMBRE 2022 A L’AFCD- DSCHANG

Une exposition autrement

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« Plus que jamais, l’Afrique est appelée à se redécouvrir elle-même en retrouvant les forces qui l’habitent, les dynamiques qui la traversent, les acteurs qui orientent sa vie dans le monde d’aujourd’hui. Elle doit aussi chercher à se comprendre en profondeur en examinant les réponses que les individus et les groupes apportent aux questions qu’ils se posent à partir de la vie quotidienne. À cet égard, il nous faut apprendre à regarder à nouveau le village en Afrique subsaharienne. » 

 

Jean-Marc Ela Innovations sociales et renaissances de l’Afrique Noire. Paris, L’Harmattan, 1998, PP.145.

Cette réflexion de Jean-Marc Ela est une invite explicite à convoquer de nouvelles intelligences et à créer de nouveaux rapports au village en Afrique. Le travail de l’artiste Sergeo Demefack s’inscrit dans cette logique en créant un univers imaginaire et recomposé au travers des dessins.

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Sergeo Demefack est un artiste plasticien, Camerouno-américain, juriste et spécialiste du développement international, ayant parcouru l’Afrique (du Maroc au Kenya en passant par l’Égypte, le Sénégal, le Rwanda et le Nigeria) en tant que consultant, sans jamais rompre avec sa casquette d’artiste. Il a donc observé patiemment la manière par laquelle les cultures locales se préservent, se croisent et se redynamisent. 

Pendant plus de 20 années de résidence aux États-Unis, il a continué à créer et à construire un imaginaire à travers des dessins, lui rappelant sa terre natale réelle et plus souvent composée.  Ses créations articulent les traits, signes et symboles et engagent plus particulièrement les réalités culturelles et architecturales Bamiléké qui ont modelé son enfance.  Ses dessins expriment les matérialités d’une séparation s’inscrivant dans le temps et d’une connexion essentielle qui lie l’artiste à son terroir d’origine.

La singularité de ses dessins réside dans leur contexte de production et leur capacité à rentrer dans les tréfonds de l’être et de l’imaginaire pour produire des réalités visibles, retrouvant une existence concrète sur sa terre natale.

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En effet, dans un état onirique ou nostalgique, Sergeo Demefack dessine. Au-delà de sa production matérielle et de sa création de sens, le travail de l’artiste bouscule les frontières du réel pour constituer une fibre vertueuse capable de le reconnecter à sa source culturelle et spirituelle. Le mélange de ses lignes parfois tiré de ses souvenirs et très souvent composite rejoint Frank Beuvier (2016) pour créer une affinité entre tradition et création (Création et tradition. Histoire d’une idéologie de l’art au Cameroun” Revue d’anthropologie et d’Histoire des arts, p. 136-163), et participe ainsi d’un chef-d’œuvre qui transcende le temps et l’espace, capable de féconder les énergies pour des pratiques créatives et culturelles du futur.

Ses croquis ont pour objectif de ré imaginé un univers métamorphosé de son Bamileke natal, et lui permettent de rester connecté à ses origines depuis sa nouvelle terre d’accueil. 

On peut remarquer que chaque réalité qu’il vit dans sa société d’accueil l’amène à penser à sa société de départ. Dans une approche comparatiste, il se remémore, ce qui le plonge dans une nostalgie dont le dessin est le seul moyen de s’en échapper.  La collection de dessins s’inscrit dans une démarche qui promeut la reconnexion avec ses racines et s’accommode avec le concept de « marcher avec sa culture ».

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Son expression artistique à l’encre de Chine qu’il a découverte à Chinatown, participe du mélange et de la recomposition que l’artiste estime importants non seulement en tant que médiums de création, mais surtout comme instrument d’actualisation du dynamisme architectural et culturel bamileké. Son exposition à l’AFCD rentre dans l’approche inversée qu’il voudrait adopter pour répondre aux créations externalisées que l’on observe chez certains artistes contemporains.

Cette exposition participe à coup sûr au processus de valorisation du patrimoine culturel contextuel profondément ancré dans le sacré bamileké dont il est tributaire et désormais protecteur.

Créant une résonnance entre dessins et sculpture, son travail représente pour lui un outil didactique pour les plus jeunes. Il est question pour lui de leur offrir du « squelette » dont leur imagination pourrait leur permettre de charger ces dessins et de se réinventer., dans une combinaison de mathématique, d’art, d’histoire, de culture et d’architecture.

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Quelques images de l’exposition

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Une Exposition Autrement

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Cette exposition temporaire de cinq jours du 05 au 10 décembre 2022 fut une expérience singulière ayant réuni le temps du vernissage plus d’une centaine de personnes. Moment chargé d’émotions et de questionnements, cette exposition aura cassé les codes classiques des expositions dès le vernissage. En effet, l’approche par le dessin en noir sur blanc choisi par l’artiste et ses toiles imprimées sur des bâches constituaient déjà un démantèlement des codes classiques et représentaient pour lui un moyen d’engager la réflexion auprès de son public et de faire de ses travaux, des bases pouvant servir d’outils didactiques dans le système éducatif local.

Un vernissage ayant connu la présence des fo’o de la communauté Bafou dont la présence visait à consacrer l’artiste, ses invités et ses œuvres. La présence massive de la population venue des villages environnants, l’improvisation des places assises effectivement occupées par ces populations et l’offre d’un cocktail essentiellement constitué des mets locaux, des jus naturels et des friandises locales à rendu ce moment véritablement singulier ayant bousculé les à priori, pour établir un contexte réflexif et engageant.

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La disposition scénique en format mixte avec des dessins à la fois sur des panneaux, sur les murs et la clôture de la scène murale par une seule toile, la disposition mélangée au milieu de la sale des gigantesques piliers sculptés matérialisant la chefferie et sa forêt sacrée, suscitaient chez le visiteur le questionnement sur son historicité, son identité et sa reconnexion.

Le langage au-delà de l’image, les gestes lourds de sens des majestés présents, les improvisations que cette présence occasionna, la musique en life, le discours chargé d’émotion de l’artiste et un commissariat autrement, ont fait de ce vernissage et des jours qui l’ont suivi, une expérience ayant transcendé les normes classiques pour créer un moment de véritable reconnexion personnelle de l’artiste avec son terroir natal et les siens, et surtout une reconnexion du public à son moi profond.  Le cahier des impressions et le narratif instantané de certains visiteurs en disaient long.

La clôture de cette exposition avec la visite et le travail de l’artiste avec les enfants du club « Art kids Lessa’a » aura été un moment expérimental ayant donné à penser à la multitude de possibilités et travailler l’aspect didactique ou pédagogique à partir des dessins et des circonstances de leurs créations ou de leurs démarches.

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Article rédigé par…

Dr. Lucie Mbogni Nankeng 

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